Filmfestspiele von Cannes 2022: Beste Filme (Crimes of the Future, Armageddon usw.)

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Die diesjährigen Filmfestspiele von Cannes – das erste Jahr des von der Jury am meisten bewunderten Filmfestivals der Welt – haben viele gute und kleine Meisterwerke hervorgebracht, und ich führe diese Bedeutungslosigkeit auf den COVID-bedingten Engpass zurück, der die Produktion im Jahr 2020 aussetzte und nun wieder aufgenommen wird. Für Ihren bescheidenen Kritiker hat eine vermeintlich erstklassige Besetzung möglicherweise ein Meisterwerk hervorgebracht (ich schaue Sie an, James Grays apokalyptisches Zeitalter) und mehrere Misserfolge, die über bloße Schlechtigkeit hinausgehen und an einen moralischen Angriff grenzen (obwohl das schwarze Leidensdrama „Tori und Lokita“ und der Sexarbeiter-Mordthriller „Holy Spider“ unerklärlicherweise ihre Anhänger haben). Traditionell werden diese Auszeichnungen an die falschen Filme vergeben, wie etwa Ruben Östlunds breit angelegte Satire „The Triangle of Sorrows“ im Jahr 2017 mit „The Square“. Neben den erschreckenderen Vorführungen bei einem mittelmäßigen Filmfestival wird das nächste Jahr zweifellos Blockbuster von Schwergewichtsregisseuren bringen, da bin ich mir sicher.
Aber es hat keinen Sinn, sich zu beschweren, nicht wenn man morgens grübelnd auf die saphirblauen Wellen des Mittelmeers blicken und abends versuchen kann, sich nicht zu blamieren, während man auf einer Cocktailparty mit Julianne Moore plaudert. Was den Film selbst betrifft, bieten die Nebenvorstellungen überdurchschnittliche Höhepunkte, wie etwa eine erstaunliche Reise in den menschlichen Körper – ich spreche nicht von David Cronenbergs neuestem Film, ob Sie es glauben oder nicht – und das Eintauchen in die psychologische Silhouette einer üppigen Fantasie. Einige der etwa ein Dutzend unten vorgestellten Filme haben in den USA bereits einen Kinovertrag abgeschlossen und werden 2022 in die Kinos kommen. andere müssen noch ausgewählt werden und könnten zu den wichtigsten Streamern im Schnäppchen-Rausch nach den Feiertagen gehören. (Sie wären überrascht, wie viele der besten ausländischen Akquisitionen von Netflix zum ersten Mal im Palais des Festivals für Furore sorgen.) Lesen Sie weiter, um eine Übersicht über die 12 vielversprechendsten Premieren aus dem sonnigen Süden Frankreichs zu erhalten, wo die besten Filme ihre Zeit sinnvoll nutzen, während man noch stundenlang drinnen im Dunkeln sitzt.
Nachdem James Gray die Probleme seines Vaters in „Astra“ an den Rand des Universums verlagert hat, bringt er seinen Fokus auf Väter und Söhne in eine solidere und unmittelbarere persönliche Aufzeichnung, während er für diese fiktiven Memoiren – eines seiner bewegendsten Werke – schreibt und die New Yorker Filme seiner Kindheit in wer weiß wie langer Zeit nachstellt. Der jüdische Jugendliche Paul Graff (Michael Banks Repeta, ziemlich entdeckt) träumt davon, eines Tages mit seinen Graffiti-Raketen ein Star der Kunstwelt zu werden, aber die Herausforderungen des Alltagslebens halten ihn auf Trab: Eltern (Anne Hathaway und Jeremy Strong, beide in Bestform), die wollen, dass er sich in der Schule ausruht, ein geliebter Großvater (Anthony Hopkins), dessen Gesundheit schlecht ist und der auf ein privates College mit Reagan-Kuchenfreaks wechselt. Gray gibt das alles bis ins kleinste Detail wieder (er und seine Crew haben mithilfe von Heimvideos und alten Fotos eine maßstabsgetreue Nachbildung seines ehemaligen Hauses auf der Tonbühne gebaut), ergreifender als der herzzerreißende Monolog aufgrund seiner Intimität. Sex ist ergreifender als herzzerreißende Monologe. Es ist wie im Gedächtnis einer anderen Person herumschnüffeln.
Entscheidend ist jedoch, dass Gray die Entscheidungen seines Mini-Mes mit den klaren Augen von Erwachsenen sieht. Der moralische Kern des Films dreht sich um die soziale Schicht – wie sie Paul auf subtile Weise beeinflusst, die er nicht verstehen kann, und wie seine Eltern ihn auf eine Weise beeinflussen, die sie lieber ignorieren oder rationalisieren würden. Pauls Freundschaft mit einer schwarzen Klassenkameradin (Jaylin Webb) ist süß und naiv, bis die sehr unterschiedlichen Umstände ihrer Leben sie in entgegengesetzte Richtungen drängen und Grays offensichtliche Schuldgefühle darauf hindeuten, dass diese Meinungsverschiedenheit vielleicht doch nicht so passiv ist. Was die Eltern betrifft, so wägen sie ständig ihre Prinzipien und Praktiken ab, verlassen öffentliche Schulen, von denen sie behaupten, sie seien nicht besser als sie, und blicken auf diejenigen herab, die sie angeblich unterstützen. Gray weigert sich, die verstörenden Falten einer unvollkommenen Vergangenheit auszulöschen, und Ehrlichkeit ist der Schlüssel zur schönen Wahrheit in jedem Bild dieses klar beobachteten Spaziergangs auf den Spuren der Erinnerungen.
Als heißester Titel des Festivals fühlt sich David Cronenbergs Rückkehr in sein Reich des Body Horrors wie eine Rückkehr im weiteren Sinne an – ein großartiger Mann, geboren aus dem Mount Olympus Artist, der daran erinnert, wie all diese Heuchler und Poser es machen. Viggo Mortensen und Léa Seydoux spielen ein Performance-Künstlerpaar mit einer gruseligen Performance: Sie manipuliert die Fernbedienung einer chirurgischen Maschine, öffnet die Tür für Zuschauer in Abendkleidern und Smokings und entfernt die schrecklichen neuen Organe, die sein Körper produziert hat. Accelerated Evolution Syndrome. Als Cronenbergs erster nicht-metaphorischer Künstlerfilm ist es sowohl verlockend als auch befriedigend, seine eigene Sicht auf den Status Quo des schwachen, degenerierten Kinos auf seine Figuren und ihre Positionen zu projizieren (viele seiner transplantierten Ohren können nicht einmal hören!). Stehende Imitatoren, die Kopien seines Stils verkaufen.
Doch selbst nach einer achtjährigen Pause besucht Cronenberg immer noch allein Kurse. Seine Methoden werden immer ungewöhnlicher und entfernen sich immer weiter von den gängigen Genres, denen ihn manche Fans zuordnen möchten. Jeder (insbesondere Kristen Stewarts witziger Timlin) spricht in barocken Schlagworten oder theoretischen Passagen; „Contagion – was ist nur mit denen los?“ ist sofort ein Favorit. Die Textur des Films hat einen unnatürlichen, plastikartigen Glanz, passend zu einer Eröffnungsszene mit einem Kind, das aus einem Papierkorb isst. Die Welt von morgen ist buchstäblich und geistig unterernährt, griechische Strände sind übersät mit verrosteten Booten mit einem leicht dystopischen Beigeschmack, und synthetische Materialien sind unsere ultimative Nahrungsquelle. Unglaublich, aber Cronenberg hat sich mit diesem Drehbuch schon vor seinem jüngsten Guardian-Artikel über Mikroplastik in die Realität vertieft, doch seine Vorhersagen werden nur noch eindringlicher, je weiter der Planet in die Dämmerung gleitet. Stattdessen könnte er für immer weitermachen.
Apropos Körper und das erschreckende Potenzial, dass sie sich auf unvorhersehbare und abstoßende Weise schlecht verhalten: Diese Dokumentation des Sensory Ethnography Lab der Harvard University (zeigt uns den Hochseefischerei-Trip Leviathan) bietet einen beispiellosen Einblick in das glitschige, schleimige Wunderland, das wir in mehreren Krankenhäusern rund um Paris täglich als selbstverständlich hinnehmen. Die Regisseure Véréna Paravel und Lucien Castaing-Taylor fördern die Entwicklung neuer Miniaturkameras, die in der Lage sind, hochauflösendes Filmmaterial aus dem Dünndarm und dem Rektallumen aufzunehmen und den Unterschied zwischen purer Avantgarde-Geometrie und der viszeralen Intensität zu erkennen, die dem Kino entgeht. Ja, man wird nie die Szene mit der Harnröhrensondierung vergessen, in der ein langer Metallstab im „Kalaschnikow-Modus“ in die Harnröhre einer Person stößt, oder den Anblick einer Nadel, die die Iris des mutigsten Mannes aller Zeiten beim Augapfelputzen durchsticht. Aber wenn Sie wie ich sind und in jeden neuen Film gehen und etwas sehen wollen, das Sie noch nie gesehen haben vorher, es gibt keine bessere Garantie als diese.
Und es handelt sich nicht nur um eine einfache, grobe Aktion. Wir erfahren, dass die Funktionen des Krankenhauses selbst so komplex und vernetzt sind wie der menschliche Körper, in dem verschiedene Organe harmonisch zusammenarbeiten. Während der Prostatastimulation hören wir einen Chirurgen, der seine Krankenschwestern und Helfer wegen Problemen tadelt, die außerhalb seiner Kontrolle liegen – eine Anspielung auf die Unterfinanzierung und den Personalmangel, die die Amerikaner derzeit so beunruhigen. Paravel und Castaing-Taylor zeigten großes Interesse an den grundlegenden Aktivitäten dieser großen Institutionen, wobei die aufregendsten Aufnahmen aus der Perspektive einer Dateiübertragungskapsel stammen, die mit Warp-Geschwindigkeit durch ein Netzwerk pneumatischer Röhren reist, die das Gebäude durchkreuzen. Die letzte Tanzsequenz – perfekt auf „I'll Survive“ abgestimmt – ist wie eine Hommage an das, was ein gewöhnlicher Mensch von der Arbeiterklasse hält, wie sein eigenes unwillkürlich schlagendes Herz, das für den Fortbestand des Lebens unsichtbar ist. Unverzichtbar, bis wir innehalten und darüber nachdenken, wie erstaunlich es ist, dass wir weitermachen können.
EO (ausgesprochen „ee-aw“, ich empfehle Ihnen wärmstens, es jetzt ein paar Mal laut auszusprechen) ist ein Esel und, nun ja, ein sehr guter Junge. Der erste Film des 84-jährigen polnischen Gurus Jerzy Skolimowski seit sieben Jahren folgt dem Esel, der nicht aufgibt, während er Dinge auf dem Land erledigt, meist überlebt und die Tortur miterlebt. Wenn dies wie eine Parodie auf die tiefe Raffinesse europäischer Kunstakademien klingt – schließlich handelt es sich um ein freies Remake des Klassikers „Au Hasard Balthazar“ von 1966 –, lassen Sie sich nicht vom kalten Minimalismus entmutigen. Es ist ein reines Fest, so entspannend und meditativ wie der zugefrorene See, mit einer atemberaubenden Aufnahme, in der man kopfüber hängt und die Bäume in stark reflektierende Wolkenkratzer verwandelt. Ein ausdrucksstarkes, atemberaubendes Kameraspiel belebt dieses 88-minütige Wunder, regelmäßig durchsetzt mit Stroboskopen im EDM-Stil und Experimenten mit roten Scharnieren.
Niemand unterschätzt den grundlegenden Charme des vierbeinigen Stars selbst, vereint durch sechs Tierdarsteller in ihrer ungeschönten, christusgleichen Reinheit. EO isst Karotten. EO begegnet einigen Fußballrowdys, die denken, das Gras, das ihn mit Bier und Schrotflinten füllt, sei ein Giftgas. EO hat einen Mann umgebracht! (Da kommt er. Keine Jury wird ihn verurteilen.) Es ist schwer, EO nicht zu lieben oder sich den Missgeschicken des Penners nicht zu widmen, dem er hauptsächlich als distanzierter Beobachter nachstellt. Insgesamt zeichnen die verschiedenen Episoden des Films ein Bild Polens in einer spirituellen Krise, von der tadellosen Isabelle Huppert als geiler Stiefmutter bis hin zu einem unerwartet entlassenen Priester. Aber es ist genauso einfach, sich der beruhigenden Energie hinzugeben, die von unserem neuen Eselhelden ausgeht, und der Naturlandschaft, durch die er uns langsam aber sicher führt. Für immer EO.
Nachdem Paul Mezcal für seine Arbeit in „Normal“ einiges Lob von Kritikern und Tausende von Fans erhalten hatte, spielte er seit 2016 in Anna Ross Holmer und Sarah Davis. Der wenig bekannte erste Film seit The Fits liefert ein überzeugendes Argument für seinen eigenen Filmstar-Status. Mit unbeschwertem Charme verbirgt Mezcals verlorener Sohn Bryan die hässlichen Seiten darunter, als er in das irische Fischerdorf zurückkehrt, das er vor Jahren für einen Neuanfang in Australien verlassen hat. Er wollte zum Austernfanggeschäft der Stadt zurückkehren, das von der örtlichen Meeresfrüchtefabrik dominiert wurde, also überredete er seine Mutter, die dort arbeitete (Emily Watson, die auf dem Festival eine großartige Show bot), einige Fallen für sich selbst zu entwerfen. Sie vertraut darauf, dass er nichts falsch machen kann, und akzeptiert seinen kleinen Plan gerne. Ihre leichte Lockerung der Moral wird bald durch höhere Einsätze auf die Probe gestellt.
Dann geschah etwas Schreckliches, das man am besten geheim hält: Die beiden Stars traten in einer ungewöhnlich tiefgründigen Schauleistung gegeneinander an, wobei Watson strahlte, weil sie vermutete, sie würde es lieber essen. Davies und Holmer (das niederschmetternde Drehbuch von Shane Crowley und Fodhla Cronin O'Reilly prägte ihre Darstellung von Irland) ließen den osmotischen Druck immer weiter ansteigen, bis er eine unerträgliche Intensität erreichte und in einem schockierenden Höhepunkt gipfelte. Das lässt uns mit verstörenden Fragen zurück, wie wir uns in der gleichen Situation verhalten würden. Die ganze Zeit über können wir uns an Chayse Irvins großartiger Kameraführung erfreuen, die in vielen Nachtszenen geschickte Lichtquellen und im grauen Tageslicht einen rauen Schimmer findet. Er tut sein Bestes, um all die ominösen, abweisenden Gewässer zu filmen, die sich um dieses Moraldrama drehen, eine pechschwarze Leere, die sich wie die Tiefen der menschlichen Seele ins Unendliche erstreckt, ohne Kompromisse oder Mitleid.
Es wäre dumm von Netflix, sich das Regiedebüt von Lee Jung-jae, der vor allem durch seine Hauptrolle in ihrem Blockbuster „Squid Game“ bekannt ist, nicht zu schnappen. (Stecken Sie es in Ihre Algorithmic Synergy-Röhre und rauchen Sie es!) Ehrgeizig, mäandernd, hysterisch gewalttätig, drückt es viele der Knöpfe, die Big Red N in ihren anderen After-the-Fact-Originalen liebt, und es ist groß genug – großartig im Maßstab, um den kleinen Bildschirm zu sprengen, auf dem es eines Tages leben könnte. Das Spionageepos spielt in einer besonders turbulenten Zeit in der Geschichte Südkoreas, als eine Militärdiktatur gegen Demonstranten und ihre Schädel vorging und die Spannungen mit ihrem feindseligen Nachbarn im Norden erneut aufflammten. Inmitten des Chaos brach innerhalb der südkoreanischen CIA ein Katz-und-Maus-Spiel aus, bei dem der Leiter der Außenabteilung (Lee Jung-jae, gleichzeitig im Amt) und der Leiter der Inlandsabteilung (Jung Woo-sung, der bereits in einer solchen Situation aufgetreten ist) im Internet Die beiden Serien „Steel Rain“ und „Iran: The Wolf Brigade“ liefern sich ein Wettrennen, um die Maulwürfe aufzuspüren, die sich ihrer Meinung nach im gegnerischen Team verstecken.
Während ihre Ermittlungen durch eine Reihe von Ablenkungsmanövern und Sackgassen führen und in einem Attentat auf den Präsidenten gipfeln, überlegen zwei Eliteagenten gemeinsam, wie sie in eine gottähnliche Ebene aufsteigen können. Ich kann die schiere Zahl der Todesfälle in den zweieinhalb Stunden des Films nicht genug betonen, als wäre Lee vertraglich verpflichtet gewesen, in jeder Szene mindestens 25 Menschen in die Luft zu sprengen. Er orchestriert diese Blutbad-Symphonien mit altbewährter Expertise, beschränkt CGI auf ein Minimum und maximiert die Anzahl der Zündkapseln in einer solchen Menge, dass die Branche noch jahrelang profitabel bleibt. Die labyrinthischen Drehbücher verlangen Ihnen jedes Quäntchen Aufmerksamkeit ab, und die Anforderungen an die Laufzeit sind sehr hoch, aber diejenigen, die sich von der Komplexität nicht aus der Ruhe bringen lassen, können die ungewöhnlich groben Kostproben in den Spionagefilmen probieren. (Und diejenigen, die sich verlaufen, können immer noch in Blut baden.)
Es ist ein wirklich seltsamer Film, Mann: Brett Morgans kommende HBO-Dokumentation über David Bowie lässt sich nicht einmal in diese einfache Beschreibung einordnen. Sie ist eher eine schnelle Collage aus Bildern und Referenzen, wie ein Sonnensystem, das sich um den faszinierendsten Musiker der Geschichte dreht. Die ersten Minuten verlaufen durch eine Reihe von Clip-Collagen, die nicht nur den Art-Rock-Alien selbst zeigen, sondern auch alle Hinweise, die uns seinen gesamten unbeschreiblichen Gestalthintergrund verraten könnten. Neben dem Video „Ashes to Ashes“ oder der Live-Performance von „All the Young Dudes“ können wir auch Anklänge an Stummfilmklassiker wie Nosferatu (ein schlaksiger Außenseiter, der von gewöhnlichen Spießern gefürchtet wird), Metropolis (ein Bowie im Berliner industriellen deutschen Minimalismus, der damals beliebt war) oder Dr. Mabus the Gambler (ein weiteres Weimarer Artefakt über einen Mann, der sein Publikum in seinen Bann ziehen kann) erkennen. Auch wenn diese Verbindungen zerbrechlich erscheinen, können wir ihnen Bedeutung verleihen und alle Erkenntnisse, die wir aus diesen Rorschach-Tests der Popkultur gewinnen, mitnehmen.
Im Verlauf seiner zugegebenermaßen extralangen zweieinhalb Stunden bewegt sich der Film vom Experimentellen zur Routine. Die erste Stunde konzentriert sich auf übergreifende Themen wie Bowies Bisexualität oder sein Gespür für Kleidung, der Rest ist chronologisch geordnet und führt uns durch die Aufenthalte in L.A. und Westdeutschland, seine Beziehung mit dem Single-Name-Supermodel Iman, seine Ehe und seinen Wendepunkt in den 90er-Jahren, den Populismus. (Sein Flirt mit Kokain wird allerdings respektvoll übersprungen.) Diese Abschnitte bieten einen nützlichen Crashkurs für Bowie-Neulinge, und für diejenigen, die bereits erfahren sind, ist es eine Wiederholung einiger der eisigen Würstchen, die er zigmal zubereitet. Morgans fünfjährige umfassende Berichterstattung über einen Rockstar enthält nicht viele große Enthüllungen, aber seine frei assoziative Herangehensweise kann ein Mysterium, das sowieso nicht aus der Mode kommt, immer wieder aufleben lassen.
Jeder rumänische Film erzählt, wie schrecklich es ist, in Rumänien zu leben, einem Land mit korrupter Regierung, dysfunktionaler öffentlicher Infrastruktur und vor Hass strotzenden Dorfbewohnern. Der neueste Film des früheren Gewinners der Goldenen Palme Cristian Mungiu, der als einziger Regisseur des Landes den Hauptpreis des Festivals gewonnen hat, konzentriert sich auf den letzten Teil. In einer kleinen, isolierten Gemeinde irgendwo in Siebenbürgen droht ein exklusiver Schnellkochtopf zu explodieren, als einige Migranten aus Sri Lanka in die Stadt kommen, um in einer Bäckerei zu arbeiten. Die Reaktion der Bewohner klang wie ein Strom rassistischer Gedanken, den Amerikaner als enge Verwandte der Trump-Ideologie verstehen würden: Sie sind gekommen, um uns unsere Jobs wegzunehmen (keiner von ihnen hat sich die Mühe gemacht, seine anzunehmen), sie wollen uns ersetzen. Sie sind Agenten böswilliger ausländischer Mächte. Atemberaubende Einzelaufnahmen während einer Bürgerversammlung entfesseln einen Strom der Galle, und die Maske der Logik senkt sich langsam, als die Bürger zugeben, dass sie einfach niemanden anders sehen wollen.
Wenn das nach einem erbärmlichen Kampf klingt, gibt es genug ideologisches Feuer und coole, meisterhafte Fotografie, um selbst die erschöpftesten Festivalbesucher zu fesseln. Mungiu führt uns durch verschneite Wälder und über unbefestigte Straßen und fotografiert sie alle auf eine distanzierte Art und Weise, die Bilder von Schönheit ebenso leicht heraufbeschwören kann wie von Hässlichkeit. Die Handlung ist blumiger, als die politische Belagerung vermuten lässt. Bären spielen eine große Rolle, ebenso wie das Cellospiel eines Bäckereibesitzers. Im Zentrum eines Films mit starken parteipolitischen Prinzipien steht sie auch Teil eines moralischen Dilemmas, und ihr Altruismus gegenüber Einwanderern könnte ein Deckmantel sein, um das auszunutzen, was sie letztlich als billige Arbeitskräfte ansieht. Niemand kam in diesem Film besonders gut weg – ein starker und kompromissloser Pessimismus, den wir in Hollywoods Filmproduktion oder, was das betrifft, in der amerikanischen Indie-Szene nicht finden konnten. Ein Amerika wie dieses wird es nie geben, obwohl die nationalen Pathologien so ähnlich sind, dass wir genauso gut in einen zerbrochenen Spiegel schauen könnten.
Nehmen wir die Satire der Kunstwelt, in der all die Rivalität, der armselige Groll und die völlige Verzweiflung angedeutet und auf das denkbar risikoärmste reduziert werden. Außerdem ist Michelle Williams wahrscheinlich die beste Rolle ihrer Karriere. Dann wird so viel Action entfernt, wie das Drehbuch verträgt, ohne sie zu unterbrechen, als ob man ein Publikum ansprechen wollte, das Regisseurin Kelly Reichardts vorherigen Spielfilm „First Cow“ zu aufregend fand. So lang ist dieses zarte Porträt einer Frau, die in einem Bereich, der scheinbar nichts mit ihr zu tun hat, an die Grenzen ihrer Talente stößt. Williams spielt die problembeladene Lizzy Carr, eine kleine Bildhauerin am inzwischen geschlossenen Oregon Institute of Arts and Crafts, die versucht, sich auf die bevorstehende Ausstellung einzustellen, aber was sie sieht, sind überall Ablenkungen: Ihr Vermieter/Freund (Hong Chau, wobei ersterer zunehmend besser ist als letzterer) will ihren Warmwasserbereiter nicht reparieren, eine verletzte Taube braucht ihre ständige Pflege und Aufmerksamkeit, die unkomplizierte, ruhige Herablassung des Gastkünstlers treibt sie in den Wahnsinn.
Doch Reichardts tragischer Geniestreich liegt in ihrer Andeutung, Lizzy sei dafür vielleicht nicht geschaffen. Ihre Skulpturen sind nicht schlecht, sie brennen nicht auf einer Seite an, wenn der Ofen ungleichmäßig heizt. Ihr Vater (Judd Hirsch) ist ein angesehener Töpfer, ihre Mutter (Marian Plunkett) leitet die Abteilung und ihr psychisch instabiler Bruder (John Magga Law) hat den Funken der Inspiration, für den Lizzie kämpfen kann. Die Ausstellung in der Climax Gallery – obwohl das Wort „Climax“ sogar verwendet wird, um einen Film zu beschreiben, der im Flair einer Westküsten-Universitätsstadt so entschieden zurückhaltend und cool ist – entrollt sich wie eine milde Farce, die kleinen Beleidigungen ihres Lebens stapeln sich gegeneinander, während sie ihren Bruder anfaucht, er solle sie von dem Gratiskäse erholen. Für Reichardt, die langjährige Bard-Professorin, ist die Ironie ihrer eigenen Annäherung eher gefühlvoll als ätzend, geprägt von einer gewissen Wertschätzung für jedes Umfeld, das ehrgeizigen Exzentrikern erlaubt, in ihrem eigenen Tempo sie selbst zu sein.
Der beste Abspann gehört diesem Psychodrama von Polens bestgehüteter Geheimtipp Agnieszka Smoczyńska, das seinen ersten erfolgreichen Ausflug ins Englische wagt. Jeder Name wird vorgelesen und dann von mehreren Teenagerstimmen kommentiert, die murmeln: „Oh, ich liebe diesen Namen!“ So huscht beispielsweise Michaels lächelndes Gesicht über den Bildschirm. Und das ist nicht nur ein guter Punkt. Dies ist eine Einführung in das Lonely Island-Universum, das von June (Leitia Wright) und Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons erschaffen und bewohnt wird, zwei schwarzen Mädchen, die in den 70er und 80er Jahren buchstäblich in Wales lebten. Sie suchen Zuflucht in ihrer Beziehung und verfallen in einem kleinen, rein weißen Dorf in einen Zustand selektiver Zurückhaltung. Ihr verschlossener Rückzug aus ihrer Umgebung führt sie schließlich in das tragische Chaos der Broadmoor-Anstalt. In dieser authentischen Erzählung erforschen Smoczyńska und die Autorin Andrea Seigel die ungewöhnliche psychologische Innerlichkeit, die Mädchen teilen, und stellen sich vor, wie sich solche extremen Erfahrungen von innen heraus anfühlen könnten.
Wie es für die Mädchen sein muss, wirkt der Bruch mit der Realität auf eine Weise beeindruckend, die mit der Eintönigkeit ihres Alltags nicht mithalten kann. In extrem zerknitterten Stop-Motion-Aufnahmen sind Gestalten mit Vogelköpfen zu sehen, die durch die Dimensionen von Krepppapier und Filz wandern, und gelegentlich vermitteln musikalische Figuren den verzweifelten inneren Zustand der Schwestern in deklarativer Sprache, einem griechischen Chor. (Dasselbe wie Smoczyńskas brillante Killer-Meerjungfrau-Stripper-Show „The Lure“ aus Polen.) June und Jennifer stellen sich vor, sie betreten ein farbgesättigtes Heiligtum, in dem alles makellos sein kann, bis der große Wurf ins wirkliche Leben zurückkehrt und wir schockiert sind. In der romantischen Realität versuchen Sportler, mit behüteten Mädchen zu turnen, nachdem sie sie angefeuert haben. Als sich ihre gemeinsame Situation verschlechtert und die Gerichte sie trennen, können wir nur sehen, wie feindliche Kräfte ihre privaten Zufluchtsorte zerstören, eine Reihe formeller Rückzieher, die inmitten von Kommentaren über den Mangel an psychiatrischer Versorgung in Großbritannien auftauchten.
Mad Max liegt hinter ihm, und George Miller ist zurück mit diesem ungewöhnlichen modernen Märchen über einen Mann namens Alicia Binney (Tilda Swinton, in Höchstform) und den Dschinn (Idris Elba, strahlend und gigantisch), den sie gerade aus der Flasche befreit hat, die sie am Vortag auf dem Istanbuler Basar erworben hatte. Sie kennen das Spiel: Er ist hier, um ihre drei Wünsche zu erfüllen und sie nach Belieben damit umgehen zu lassen. Aber weil sie das Spiel kennt, ist sie nicht bereit, in irgendwelche „vorsichtigen“ Fallen zu tappen. Um sie von seinem guten Willen zu überzeugen, hat er eine fantastische Geschichte darüber erfunden, wie er die letzten drei Jahrtausende verbracht hat – ein CGI-Spektakel, das die meisten Studioprojekte dieser Art während ihrer gesamten Laufzeit jederzeit in den Schatten stellt. Mehr Fantasie ist nicht drin. Von der Burg der Königin von Saba bis zum Hof ​​von Kaiser Süleyman dem Prächtigen durchziehen Magie, Intrigen und Leidenschaft Reisen durch den alten Nahen Osten.
Doch diese wundersame Reise hat ein unerwartetes Ziel, das in der subtilen Liebesgeschichte dieser beiden eigensinnigen Gleichgesinnten gipfelt. Sie überwinden ihre Einsamkeit, indem sie die Freude am Geschichtenerzählen teilen, und Millers verschachtelte Erzählstruktur lässt sie noch einen Schritt weiter gehen. Wie Alithea in einem Vortrag auf einer akademischen Konferenz zu Beginn des Films erklärte, erfinden wir Mythen, um die rätselhafte Welt um uns herum zu verstehen, und Miller hat eine beachtliche Leistung vollbracht, indem er dieses Gefühl der Ehrfurcht mit dem des Erfindergeistes verbindet, der Wissen in eine moderne, von Technologie erstickte Welt bringt. Natürlich sind Filmemacher keine Maschinenstürmer; Visual-Effects-Junkies werden von der geschickten Verwendung digitaler Verschönerungen und vollwertiger Kreationen gefesselt sein, ob es sich nun um die atemberaubenden Aufnahmen handelt, in denen einer Flasche aus einer Vogelklaue ins Meer gefolgt wird, oder um die Verwandlung in eine Giger-artige Spinne, deren Albtraumtreibstoff sich dann in einem Pool aus Skarabäen auflöst.
Riley Keough übernimmt zusammen mit Gina Gammell die Regie und startet vielversprechend in die nächste Phase ihrer Karriere. (Die beiden haben bereits ein weiteres gemeinsames Projekt in Arbeit.) Sie haben jede Spur von Hollywood-Eitelkeit abgeschüttelt und der Stamm der Oglala Lakota verdient sein Geld mit dem Leben rund um dieses neorealistische Pine Ridge-Reservat in South Dakota. Das können sie. Für den einheimischen Jungen Matho (LaDainian Crazy Thunder) und den älteren Bill (Jojo Bapteise Whiting) bedeutet das hauptsächlich, Drogen zu stehlen und zu verkaufen, mit kleinen Mengen Meth zu dealen, Überstunden auf nahegelegenen Truthahnfarmen und -fabriken zu machen oder Pudel zu züchten, die verkauft werden, um länger spielen zu können. Wenn man kein Geld hat, um etwas zu tun, kann man nichts mehr tun, eine Tatsache, die den meisten Filmen bewusst ist, die sich damit begnügen, mit jungen Leuten abzuhängen, die einfach nach etwas suchen, um ihre Freizeit auszufüllen.
Wenn das so klingt, als würden die Außenstehenden Keough und Gammell die Armut übermäßig romantisieren oder sich in die entgegengesetzte Richtung der Ausbeutung bewegen, dann denken Sie noch einmal darüber nach. Geleitet von den Autoren Bill Reddy und Franklin Sue Bob (geführt von Sioux Bob) und einer Besetzung aus echten Bewohnern von Pine Ridge fädeln sie geschickt schwierige Tonstiche ein, ohne sich auf schwierige Töne zu konzentrieren. Diese Charaktere müssen mit viel Mist von den Erwachsenen um sie herum fertig werden – Matos gelegentlich missbräuchlichem Vater, Bills weißem Chef – aber wie junge Leute im echten Leben wird das Elend an ihnen abperlen, sobald sie weiter herumhängen und Streiche spielen können. Ein distanzierter Höhepunkt bekräftigt die abscheulichsten Absichten des Films, Menschen zu feiern und zu stärken, die von einer weiß dominierten Gesellschaft an den Rand gedrängt werden, die sie mit Geringschätzung betrachtet, wenn man sie betrachtet. Die Regieköpfe von Keough-Gammell werden bleiben, und hoffentlich auch ihre charismatischen Mitarbeiter, der bekannteste Laienschauspieler, den wir seit Chloe Zhaos „The Rider“ gesehen haben.